Herbert Rodríguez – Primitivo

Bajo el título de “Primitivo”, exhibí (6 al 28 de noviembre del 2012) conjunto de obras recientes en el Espacio de Arte de la Fundación Euroidiomas.

En este artículo, “Herbert Rodríguez – Primitivo”, analizo algunos de mis referentes:
-    la naturaleza del entorno de los pantanos de Villa,
-    el arte precolombino,
-    el arte popular
-    el expresionismo abstracto (Pollock, Kline).
También describo cómo utilizo la pincelada y el trazo gestual, uno de los elementos del lenguaje plástico visual; y, además, describo mi proceso creativo, desde los bocetos a la ejecución de una pintura o un grabado digital.

Yo, Herbert Rodríguez (1959), he sido “Huayco”, “subte”, activista “Arte-Vida”, miembro de “El Averno”. Soy artista creador –por más de tres décadas– en una sociedad autoritaria y conservadora.

Lo mío es pintar con mis contenidos “primitivos”, pero, además, busco el ARTE TOTAL: el diseño y el arte aplicado (énfasis en el papel calado, la base del estampado textil), la pintura mural y los carteles. Mi diversidad de lenguajes expresivos surge de haber hecho experiencia de escenografía para cine y teatro; pero, además, por influencia de las múltiples las instalaciones para conciertos subtes, la Carpa Teatro o El Averno, y el largo recorrido por diversos momentos de activismo artístico, esto es: una estética de la acción que privilegia el proceso. Puedo decir que la contracultura ha significado una excelente cosecha de experiencia y lecciones de cómo resistir, cómo mantenerse creativo y autónomo en medio de la guerra sucia-hiperinflación-mafia fujimorista, refundación ética frustrada y perro del hortelano... nuestras complicadas circunstancias de país.
Pero PRIMITIVO es pinturas sobre tela, grabado digital y papel calado con espray... con énfasis en la PINTURA-PINTURA.

Cuando inicio mi carrera artística a comienzos de los ochenta me encuentro con éste término, pero, ¿qué es “PINTURA-PINTURA”? es expresarse en el plano bidimensional de la tela con los puros elementos del lenguaje plástico visual; esto es, sin “contaminar” a la pintura con elementos “extra artísticos” como fotografía, ensamblaje y contenidos “políticos”..., este es un término netamente limeño conservador y que responde reactivamente a la amenaza colectivista en el escenario de la guerra fría, si pues, había que desautorizar al “arte panfletario”. Estar atentos a esto.

 
Y hoy por hoy: ¿pintar en pleno siglo XXI en una realidad pos caída del muro, con globalización y sociedad de la información donde las nuevas tecnologías están insertadas en la cotidianeidad de millones de personas?

“PINTURA-PINTURA” ahora que las imágenes en movimiento y con sonido bombardean y envuelven nuestros sentidos... ¿espacio aún para ser sensibles al dibujo-forma-color-composición de una pintura-pintura?, y, Perú, país escindido, con múltiples brechas, ¿para quién se pinta?, ¿por qué se pinta?, y, sí, pregunta válida: ¿PARA QUÉ SE PINTA?

El artista profesional debe “pisar tierra” y saber donde está parado, debe ser capaz de identificar el contexto cultural, histórico, social y político de diversos procesos artísticos, y así responder a las preguntas planteadas.

A ver, soy artista y, además, docente-investigador... el artista puede crear, informarse, investigar, reflexionar y sistematizar experiencias, y, ¿por qué no? Ser un difusor o comunicador o mediador... en un país con precaria institucionalidad artística y sin políticas culturales ¿por qué esperar que sean otros –críticos de arte o historiadores o periodistas– los que asuman éstas tareas? 

Por las carencias señaladas creo firmemente que, como país, necesitamos fortalecer la "educación artística". Estoy en desacuerdo con los que creen que entender el arte es un asunto de "sentir el arte"... por el contrario pienso que "ver implica pensar". Salir del emocionalismo es importante para  que el arte despliegue su efecto beneficioso en múltiples ámbitos, entre ellos la formación integral (emoción, razón y destrezas) de las personas. 

 “Máscara roja”, Acrílico sobre tela, 1.50 X 1.20 mt.

Entonces, pintura-pintura o arte modernista en el siglo XXI, ¿válido o no?... sí, si se hace a plena conciencia; no, si se hace por inercia, dado que el "arte como idea" viene a ser la evolución actual de la idea previa que giraba alrededor de los elementos del lenguaje plástico visual –línea, color, forma, etc. – y tiene como recursos expresivos a las nuevas tecnologías, lo que hace de de “plásticas” pasemos a “visuales”...

Y, que quede claro, “Primitivo” no reivindica un modelo de arte para ser universalizado, no es más que una tendencia dentro de otras, en el marco del pluralismo cultural.

1983, posando delante de relieve elaborado con cartón y elementos de instalación (tallos de palmeras, barro).

MI CREATIVIDAD OCHENTERA.

Desde fines de los setenta hasta hoy he mantenido una línea constante "primitiva". Esta línea evolutiva la he desarrollado con una continuidad imperturbable, aunque con ciclos creativos salpicados a lo largo del tiempo. Es como si los años que han pasado, y azarosas circunstancias de país, no fueran más que un breve instante, y personajes de imaginación –máscaras, tótems, altares–, habitaran un mundo paralelo al de nuestras contingencias de país.

UN CREADOR PRODUCE UNA OBRA EN LA QUE SE PUEDEN IDENTIFICAR REFERENTES
Además de pisar tierra y ser capaz de identificar las tensiones del entorno con visión estratégica (estar al tanto del escenario del siglo XXI) el artista profesional también debe poder identificar y reconocer sus referentes; aquellas tendencias artísticas, artistas, obras o influencias en las que es posible rastrear similitudes, compatibilidades, terrenos comunes de curiosidad y experimentación, en sencillo, nada viene de la nada, somos parte de la aventura del conocimiento y experiencia de la humanidad... y somos privilegiados de poseer herramientas virtuales y recipientes de información... a utilizarlos ¿no es verdad?

SOBRE LOS REFERENTES. En la creatividad no existe el proceso lineal tipo "vi esto y entonces produzco esto otro", o explicaciones como “de aquí tome esto y lo sumé a esto otro, entonces, salió esto”. Si la creación artística fuera la suma lineal  de imágenes tomadas de algún modelo o influencias artísticas, cualquiera sería artista, ¿no es cierto? Lo que interviene en la creatividad es la racionalidad holística, los múltiples referentes coexisten de manera simultánea produciendo sensaciones que el artista amalgama en una obra innovadora, nueva, inédita, pero, repito, en la que es posible identificar referentes.

El conocimiento, la teoría, ¿anulan la creatividad?, NO, a mayor conocimiento, mayor creatividad. El sentido de identificar referentes, es por un lado, desarrollar el pensamiento crítico, y, por otro lado, evitar creer que se está dando un aporte innovador cuando se está repitiendo lo ya hecho hace rato...

Palmeras y tierra salitrosa, pantanos... Playa –horizonte, lejanía–, mar –movimiento, color–, sol reflejado en la arena, el mar y el cielo: estallido de colores... cada elemento de la naturaleza ha incidido en mi percepción y sensibilidad, las sensaciones las traduzco en formas totémicas, la pincela traza tramas a semejanza de tejido.

Témpera de 1985. Ejemplo de mi opción por el formato vertical, la simetría y la composición de formas a semejanza de tótem-altar, con reminiscencia a palmera... la pincelada es un juego de líneas repetidas para generar tramas y vibraciones a partir de colores superpuestos.

Estás son fotos de uno de mis referentes: LA NATURALEZA DE VILLA. He traducido las sensaciones de playa/mar/sol/arena/cielo/palmeras/tierra salitrosa/pantanos en máscaras, tótems y altares de PRIMITIVO.

En composición de fotos, detalles de piezas de colección del Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú y de exposición “Unidad en la Diversidad” del Ministerio de Cultura.

REFERENTE: EL ARTE PRECOLOMBINO
En mi obra se observan felinos, dobles rostros, formas y personajes de cuerpos simplificados/esquematizados, humor e ironía visual, diseño... una de las influencias que tiene que ver mi opción de representar figuras de imaginación proviene del ARTE DE NUESTROS PUEBLOS ORIGINARIOS.

Somos herederos de la enorme, rica creatividad de los peruanos originarios; sus formas de expresión comunican talento, imaginación, ludismo, disfrute, y, celebran la vida. A sentirnos orgullosos de este legado

Fotos de máscaras, exposición “Celebración de oficio y tradiciones, arte popular del norte peruano” (ICPNA, agosto-octubre del 2012).
CELEBRACION DE OFICIOS Y TRADICIONES /ARTE POPULAR DEL NORTE PERUANO
http://www.youtube.com/watch?v=fCzU0sYZHgA

OTRO DE MIS REFERENTES: EL ARTE “POPULAR”. De estudiante vi la colección de máscaras de Arturo Jiménez Borja, me llamaron –me llaman– la atención las que trasmiten burla-alegría-broma-juego y ferocidad-color-expresividad.

REFERENTE EXPRESIONISTA: POLLOCK Y KLINE.
En el arte moderno la línea y el gesto son elementos del lenguaje plástico visual, e, independizados, pueden convertirse en protagonistas de la obra de arte. Ejemplo de esto son las obras de Jackson Pollock y Franz Kline, representantes, cada uno a su manera, del expresionismo abstracto... y por ahí vendrá mi enganche con sus obras, por lo de “expresionista”, sin olvidar que parte de la trayectoria de Pollock es el surrealismo y su metodología del dibujo automático; misma metodología a la base de mis dibujos espontáneos.

TRAZO, GESTO, PINCEL O CHORREADO, Y GRANDES SUPERFICIES... en Kline, los trazos –brochazos– en amplias superficies o cuadros de gran formato (espectaculares sus cuadros en blanco y negro), tienen como referente –aunque él niega esta relación– a la caligrafía japonesa... la idea del control de la energía. Algunos dirán cualquiera puede pintar así, pero, lanzar pintura o dar de brochazos o pinceladas requiere destreza, concentración y experiencia. La mano se mueve guiada por las sensaciones... parte del salto irracional de la creatividad, que tiene como base la disciplina del dibujo y la práctica con la herramienta, y, repitiendo, la capacidad de generar el estado de ánimo y momento adecuado para desarrollar esta forma de expresión creativa.

Detalle de pintura. LA SUPERFICIE DE LA TELA COMO UNA PIEL, LA PINTURA COMO SENSACIÓN. Pintura, expresarse con color, forma y PINCELADA.
 

 “Loco de ira”,    Acrílico sobre tela, 1.40 X 1.10 mt.

Crear atmosferas generadas por capas de color pero, también por la huella del pincel que traza líneas y arabescos que forman tramas, o por puntos de color que se superponen y generan vibraciones.  La pintura acrílica como materia implica textura, el relieve se puede enfatizar de manera intencional con el pincel cargado de pintura que se deposita sobre el lienzo, a veces para forzar el chorreado como efecto. Súmenle a lo anterior la pintura salpicada que remite a violencia y espontaneidad.
La sensibilidad se exige la máximo para combinar, si así lo deseara, el trabajo de superposición de capas de color diluidas, la materia opaca y gruesa –quizá colocada de un brochazo– con las múltiples posibilidades del pincel y juego de puntos o líneas de color.

ARTE MODERNO Y PRIMITIVISMO

¿Cuál es la importancia del PRIMITIVISMO en el arte moderno?... la contraposición civilizado-salvaje es parte del etnocentrismo europeo. Occidente considera su cultura superior y modelo universal. Los no-occidentales debemos, para civilizarnos, copiar su estilo de vida. Pero resulta que ellos –los europeos– necesitaron de nosotros (los no europeos) para crear; fuimos su referente en el proceso creativo del ARTE MODERNO: impresionismo, fauvismo, cubismo, expresionismo, dadaísmo, surrealismo.

¿Cuál es la importancia del PRIMITIVISMO en el arte moderno?... respondo con otra pregunta: ¿de algo burdo o torpe puede surgir una creación tan valiosa como las tendencias artísticas mencionadas? NO... Sin las culturas originarias no europeas, Europa seguiría girando alrededor del academismo desvitalizado... la importancia del PRIMITIVISMO EN EL ARTE MODERNO es demostrarnos cuan valiosas son nuestras culturas originarias, cuan seminales fueron y pueden ser para la creación innovadora...

Mi obra la considero parte de la tendencia "primitivista" del arte moderno.

Mis máscaras/tótems/altares) es mirar el arte precolombino, el arte llamado “popular”, la cultura urbana, el propio arte moderno (primitivismo, expresionismo, abstraccionismo, etc), ver estos referentes con respeto; y creo que podemos aprender mucho del proceso creativo del PRIMITIVISMO EN EL ARTE MODERNO... miren, aprendemos cubismo y demás ismos europeos mientras que estos ismos surgen de culturas originarias de países no europeos (como las nuestras), ¿se dan cuenta?, llamamos educación artística a entender el arte europeo, debiéramos llamar educación artística a conocernos a nosotros mismos, y, después de reconocernos a nosotros mismos (después de autoconocernos), ver la creación pretendidamente universal.

Pero tener presente: sin lo "otro cultural"  no existiría el arte moderno... Gauguin y su vida en Polinesia; las "japonerias" y su influencia en Van Gogh y los artistas pos impresionistas; Picasso generando el cubismo a partir de piezas colección etnográfica; los fauves como Matisse y los expresionistas, como Kirchner o Nolde, buscando lo primordial; el arte precolombino mexicano inspirando las esculturas yacentes de Henry Moore,  Anni y Josef Albers y sus viajes a Latinoamérica y su relación con los textiles y el diseño precolombino peruano..., esto es: África, Oceanía, Japón, Marruecos, México o Perú (y el propio arte popular tradicional europeo) fueron un insumo importante para el arte moderno.

PROCESO CREATIVO.
En mis dibujos en hojas sueltas, o llenando páginas de libretas, aparecen rostros-máscaras, a veces con coronas; o, personajes simétricos con líneas sencillas o con detalles muy recargados, también, dobles rostros o rostros asimétricos semejantes a composiciones cubistas... Lo veo y los vuelvo a mirar, los analizo, y, en algunos casos los vuelvo a replicar, los dibujo nuevamente para entender la estructura del diseño... hasta elegir alguno. El dibujo seleccionado termina siendo el punto de partida de un cuadro. Quién sabe el porqué de la elección final, ¿armonía?, ¿composición?, ¿variedad?, creo que un poco de todo; pasa que a lo largo de los años he elaborado series de obras donde lo que ha prevalecido es la experimentación, esto es, el criterio para seleccionar tal o cual diseño ha sido probar nuevos caminos; finalmente lo que veo ahora en Primitivo 2012 es un muestrario de posibilidades expresivas e iconografía personal.

 “Totem”, acrílico sobre tela, 1.20 x 1 mt.

PINTAR COMO FIESTA DE COLOR, CELEBRANDO LA VIDA
El proceso de pintado de un cuadro requiere rigor en el manejo de la composición, para que cada forma –determinando su proporción– quede en el lugar preciso. Parto de un boceto decido en la tela misma colores y tratamiento pictórico. Luego del esbozo en carboncillo viene el lento y meticuloso proceso del pintado o coloreado de las formas y el fondo, capa tras capa de color. Dado mi temperamento inquieto, impaciente y expansivo esto me exige autocontrol. Junto con el coloreado final están los últimos trazos expresivos, donde no caben ni la duda ni el error... especie de salto al vacío donde todo puede acabar en desastre o en el ¡eureka, lo logré!

DEL DIBUJO AL GRABADO DIGITAL

Proceso: escaneo de dibujo; luego el dibujo escaneado lo trabajo con programas de computadora; siguiente paso: agregarle color y efecto de filtro en Photoshop; finalmente: imprimirlo, y la impresión sale en los colores intensos de la imagen. 

"Fiesta", impresión digital, papel de algodón, 50 x 38 cm.

A la base de mis diseños y grabados digitales está el ejercicio constante del dibujo. La sencilla herramienta del lápiz o lapicero para trazar líneas en un papel, y, de manera automática –a partir de la practica a lo largo de años–  aparecen configuraciones.
Tanto la pintura-pintura como el grabado digital, estimulan mi imaginación y me envuelven sensorialmente. Lo “hecho a mano” y lo “hecho a máquina” se complementan.

Lo “hecho a máquina” permite la reproducción en serie del original, lo cual es la base de la “Economía Creativa”: creatividad + cultura/identidad + tecnología + economía (lo de la Industria Creativa e Industria Cultural). El "Diseño" tiene una potencialidad importante, somos país privilegiado en "archivo de imágenes" por el legado milenario de nuestra diversidad cultural; esto es así, pero siempre la huella sensible de la mano envuelve y comunica con un enganche emotivo especial.

Papel calado, formas dibujadas con tijera y corte preciso para crear diseños...
Es en estos papeles cortados en los que se evidencia con claridad la raíz africana de mi creatividad, creo que ésta ha sido despertada por la peculiar naturaleza tropical del entono de los pantanos de Villa.

“Graffiti Primordial”, acrílico sobre tela, 1.40 x 1 mt 

Un importante motor de mi creatividad es la rebelión contra la idea de vivir por inercia. Siempre golpeador César Vallejo, este es uno de sus poemas que siempre tengo presente.

Trilce: LXXV

Estáis muertos.

Qué extraña manera de estarse muertos. Quienquiera diría no lo
estáis. Pero, en verdad, estáis muertos, muertos.
Flotáis nadamente detrás de aquesa membrana que, péndula del
zenit al nadir, viene y va de crepúsculo a crepúsculo, vibrando ante la
sonora caja de una herida que a vosotros no os duele. Os digo, pues, que
la vida está en el espejo, y que vosotros sois el original, la muerte.
Mientras la onda va, mientras la onda viene, cuán impunemente se
está uno muerto. Sólo cuando las aguas se quebrantan en los bordes
enfrentados y se doblan y doblan, entonces os transfiguráis y creyendo
morir, percibís la sexta cuerda que ya no es vuestra.
Estáis muertos, no habiendo antes vivido jamás. Quienquiera diría
que, no siendo ahora, en otro tiempo fuisteis. Pero, en verdad, vosotros
sois los cadáveres de una vida que nunca fue. Triste destino el no haber
sido sino muertos siempre. El ser hoja seca sin haber sido verde jamás.
Orfandad de orfandades.
Y sin embargo, los muertos no son, no pueden ser cadáveres de una
vida que todavía no han vivido. Ellos murieron siempre de vida.
Estáis muertos.